Про художників
Самые известные фрески Нью-Йорка и истории их происхождения
Известные художники оставили свой след в Нью-Йорке в виде общественных фресок, от «Мальчика-молотка» Бэнкси в Верхнем Вест-Сайде до неизменной вывески Кита Харинга «Crack is Wack».
Фрески – это возможность для смелых, заметных заявлений. После волны протестов во всем мире в ответ на убийство Джорджа Флойда в США и других частях мира возникли новые публичные произведения искусства. Эти работы отправляли послания надежды, антирасизма и солидарности.
В недавно переизданной книге «Фрески Нью-Йорка» представлены исторически значимые произведения в разных местах, от Гарлемской больницы до Метрополитен-опера. На страницах представлены работы знаменитых художников, а также отражена богатая культурная история города.
“Crack is Wack” Кит Харинг, Восточный Гарлем (1986)
Стрит-арт Кита Харинга, известен благодаря своим игривыми мультяшными фигурам и динамичным силуэтам, которые поднимают тему социальных проблем. За короткую, но бурную карьеру, перед своей смертью в 31 год, Харинг оставил свой след в городе серией фресок.
Один из самых известных – ярко-оранжевых знаков 1986 года “Crack is Wack”, который приветствует прохожих на Harlem River Drive. Когда Харинг впервые нарисовал эту работу, его арестовали и оштрафовали на 25$.
Но фреска, которую вы все еще видите, на самом деле не является оригиналом. После того как другой художник изменил формулировку настенного рисунка на «Crack is It», рабочие Нью-Йорка закрасили весь рисунок. Тогда комиссар городских парков Генри Стерн связался с Харингом, чтобы извиниться, он предложил парню нарисовать больше фресок по всему городу.
Харинг перерисовал «Crack is Wack» там же, а также создал ряд других масштабных произведений искусства по всему городу. В 1986 году он подарил фреску Медицинскому центру Вудхалла в Бруклине.
Неизвестные художники, Гарлемский госпитальный центр (1936)
Когда Великая депрессия выровняла промышленность США, в том числе искусство, Федеральный художественный проект WPA заказал более 500 фресок для государственных больниц Нью-Йорка в 1930-х годах.
Поскольку афроамериканцам постоянно отказывают в работе, влиятельный художник эпохи Возрождения Гарлем Чарльз Олстон и президент Гильдии художников Гарлем Аарон Дуглас призвали WPA помочь темнокожим мастерам получить работу и признание.
В 1936 году трем художникам – Олстону, Вертис Хейс и Джорджет Сибрук – а также иммигранту с Сицилии Альфреду Д. Крими было поручено создать коллекцию фресок для Гарлемской больницы. Наброски, предложенные Алстоном, Хейером и Сибруком, сначала были отвергнуты руководителями больниц из-за их изображения афроамериканской истории и вклада в жизнь общества. После того как Гильдия художников Гарлема направила письма с жалобами мэру и президенту Франклину Д. Рузвельту, фрески художников были нарисованы, как первоначально планировалось.
Восьмипанельная фреска Хейса «В погоне за счастьем» в хронологическом порядке следует за историей афроамериканцев, перемещая зрителей из Африки в Америку, а затем с аграрного Юга на промышленно развитый Север. Олстон нарисовал две фрески, названные «Магия в медицине» и «Современная медицина», которые вместе образуют диалог между африканской народной медициной и западной.
«Триумф музыки» Марка Шагала, Метрополитен-опера (1966)
В 1966 году художник-модернист Марк Шагал нарисовал две красочные крупномасштабные фрески для недавно открытого Метрополитен-опера на площади Линкольн-центра. Шагал родился в еврейской семье хасидов и вырос на Монпарнасе в золотой век модернизма. Когда нацистская Германия вторглась во Францию во время Второй мировой войны, он и его семья были тайно доставлены в Нью-Йорк в 1941 году с поддельными документами.
Шагал подарил Метрополитен-опера «Источники музыки» и «Триумфы музыки». Оба представляют собой водоворот мифических существ, ярких цветов и изображений музыкальных инструментов.
“Таблица всеобщего братства” Хосе Клементе Ороско, Новая школа (1931)
Пять фресок в Новой школе в Гринвич-Виллидж, написанные мексиканским художником Хосе Клементе Ороско, посвящены революции, мировым лидерам и вкладу художников, ученых и рабочих в жизнь общества.
Хотя Ороско сам не смог участвовать в мексиканской революции из-за проблем со здоровьем, его работы внесли большой вклад в постреволюционное движение муралистов в Мексике, наряду с работами его современников Диего Риверы и Давида Альфаро Сикейроса.
Фрески Ороско объединяют революционеров, в том числе советского лидера Владимира Ленина, губернатора Юкатана Фелипе Каррильо Пуэрто и индийского поэта и активиста Сароджини Найду. На его фреске «Таблица всеобщего братства» было изображено 11 мужчин разных национальностей, в том числе сикхов, татар и афроамериканцев, сидящих вместе в единстве. Его композиция «Борьба на Востоке» показывает африканских и азиатских рабов, протестующих против своего рабства.
Фреска The Waverly Inn and Garden Эдварда Сорел (2009)
В 2006 году бывший редактор Vanity Fair Грейдон Картер купил и отремонтировал здание Ye Waverly Inn. Три года спустя он попросил знаменитого иллюстратора Эдварда Сореля, известного своими карикатурами в New Yorker и других журналах, нарисовать фреску в столовой гостиницы.
На фреске Сорела изображены почти 50 самых известных постоянных посетителей Виллиджа за последние 150 лет, в том числе Марлон Брандо, Джексон Поллок, Фрэн Лейбовиц и Боб Дилан. Вместо того чтобы рисовать прямо на стене, Сорел создал отдельную акварель, которая затем была увеличена в цифровом виде, напечатана и установлена как обои на интерьер Waverly Inn. В результате, когда часть строения была уничтожена во время пожара в 2012 году, ее легко смогли восстановить.
«Полет» Джеймса Брукса, морской аэровокзал (1940-42)
Терминал А аэропорта Ла-Гуардия – это место, где вы найдете публичное произведение художника Джеймса Брукса времен Великой депрессии. 235-футовая круглая фреска, написанная между 1940 и 1942 годами, была самой большой и последней фреской, созданной с поддержкой WPA.
В «Полете» Брукс иллюстрирует эволюцию авиационных технологий и стремление человечества покорить небо, изображая греческих мифологических персонажей Икара и Дедала, художника Леонардо да Винчи и гидросамолетов Pan Am.
Однако во время пика маккартистского антикоммунизма администрация городского порта сочла фреску слишком социалистической. Произведение искусства было закрашено серым в 1952 году. Но поскольку Брукс добавил лак на свою фреску, новая краска не пропиталась работой.
К концу 1970-х годов историк авиации Джеффри Аренд заново открыл произведение искусства и начал кампанию за его восстановление. В 1980 году бизнесмен Лоренс Рокфеллер и основатель Reader’s Digest ДеВитт Уоллес вложили $75 тыс. в реставрацию фрески (Бруксу тогда было за 80). С тех пор его фреска стала достопримечательностью Нью-Йорка.
Арт новини
В Україні заарештовано вісьмох осіб за спробу викрадення муралу Бенксі
Поліція в Гостомелі, невеликому передмісті української столиці Києва, заарештувала вісім осіб, які, за словами офіційних осіб, намагалися вкрасти одну з фресок, яку Бенксі намалював там минулого місяця, повідомляє Guardian. Мародерів затримали після того, як вони нібито зняли частину стіни, на якій знаходиться фреска.
Мурал, який зображує фігуру в халаті з бігуді, вогнегасником і протигазом, з’явився на будівлі, яка, за словами українських офіційних осіб, була обстріляна російськими військами.
Це одна з сьоми робіт, які Бенксі намалював навколо розбомблених будівель в Україні в листопаді. На інших фресках зображені маленький хлопчик, який кидає дорослого чоловіка на землю під час поєдинку з бойових мистецтв, бородатий чоловік, який миє спину у ванні, і двоє гімнастів. Вперше мурали були показані громадськості через Instagram-акаунт Бенксі.
“Група людей намагалася вкрасти мурал Бенксі. Вони вирізали роботу зі стіни зруйнованого росіянами будинку”, – повідомив губернатор Києва Олексій Кулеба у своєму дописі в Telegram, як повідомляють численні ЗМІ.
“Кілька людей затримано на місці”, – додав він. “Мурал в гарному стані і знаходиться в руках влади”.
Мурали британського художника вже ставали мішенню для нападів в минулому. У 2019 році банда злодіїв вирізала мурал Бенксі, намальований на дверях аварійного виходу театру “Батаклан” в Парижі. Мурал, на якому була зображена жінка в жалобі, був створений у 2018 році як пам’ятник 139 людям, які загинули в результаті терактів у столиці Франції в 2015 році. Вісім осіб були заарештовані. Вони постали перед судом і були визнані винними у крадіжці.
Про художників
Легендарний художник Герхард Ріхтер отримав ексклюзивне представництво від Девіда Цвірнера
Герхард Ріхтер, один з найвідоміших художників сучасності, приєднався до мега-галереї Девіда Цвірнера з вісьмома локаціями на трьох континентах. Цей крок означатиме, що Ріхтер залишить свою давню галерею Marian Goodman, яка представляла його протягом більше 30 років.
Ріхтер, якому цього року виповнилося 90 років, проведе свою першу виставку з Девідом Цвірнером у березні цього року в Нью-Йорку.
“Я знаю Девіда з дитинства, оскільки вже в 1960-х роках тісно співпрацював з його батьком, Рудольфом Цвірнером, – сказав Ріхтер у своїй заяві. “Я відчуваю, що це є прекрасною спадкоємністю поколінь”.
Картини Ріхтера приймали різні форми, від крижаних фігур до абстракцій у сліпучих кольорах. Йому приписують роль художника, який змінив хід розвитку живопису і вважається живою легендою у себе на батьківщині, в Німеччині. За словами Давіда Цвірнера, Ріхтер брав участь у Documenta, поважній періодичній художній виставці в Касселі, більше разів, ніж будь-який інший художник.
Вперше він став відомим у 60-х роках завдяки картинам, які включали зображення, засновані на фотографіях, які він відтворював у сталевому чорно-білому кольорі і злегка розмивав. Деякі з цих робіт неприємно нагадували про недавнє минуле Німеччини, викликаючи привид нацистської партії, до лав якої входили деякі з членів сім’ї Ріхтера.
Проте зараз він більше відомий своїми абстракціями, які виконані за допомогою скребка, який Ріхтер тягне через свої полотна. Таким чином, він відмовляється від контролю над тим, що буде робити його фарба під час руху.
Хоча живопис Ріхтера є концептуальним і часто багатим на ідеї, він завоював масову аудиторію по всьому світу і навіть проник у поп-культуру, а знаменита картина зі свічкою з’явилася на обкладинці улюбленого альбому Sonic Youth. Його вплив також був величезним, і мистецтвознавець Бенджамін Х. Д. Бухло нещодавно намагався дослідити кожну частину творчості Ріхтера в довгоочікуваній книзі, яка нарешті вийшла цього року.
На ринку картини Ріхтера також цінуються. На аукціонах вони регулярно продаються за десятки мільйонів доларів. Його рекорд, встановлений у 2015 році, становить 46,3 мільйона доларів, що робить його одним з найдорожчих нині живих художників.
У своїй заяві дилер Девід Цвірнер сказав: “Можливість працювати з Герхардом Ріхтером – це величезна честь і великий привілей. Ріхтер, без сумніву, створив один з найбільш концептуально складних і естетично неоднорідних творів в історії мистецтва. Уникаючи прихильності до якоїсь однієї ідеології чи догми, Ріхтер зміг як оспівувати, так і підривати сам акт живопису. У цьому процесі він одноосібно відкрив середовище для абсолютно нових можливостей і досліджень”.
Про художників
Цикл картин «Внеземелье» Художницы Яны Ризнык выставке «Parallax Art Fair» в Лондоне
Российская художница Яна Ризнык приняла участие в международной выставке «Parallax Art Fair», которая прошла 22-24 октября в Лондоне. Она представила три живописные работы: «Статус-Кво. Status Quo», «Пятничная традиция. Friday tradition», «Неожиданная перспектива. Unexpected perspective» из нового цикла «Внеземелье», посвященного актуальным проблемам современности.
Выставка «Parallax Art Fair» – крупнейшая в Европе платформа для обмена идеями и продвижения искусства. Эта художественная ярмарка представляет самобытные произведения известных художников из Великобритании, Индии, Испании, России, Канады и других стран. «Parallax Art Fair» — это мероприятие для всех, независимо от возраста, цвета кожи, состояния и образования. Оно объединяет художников и ценителей современного искусства, помогает в установлении контактов и деловых связей между ними.
Стилистика представленных на «Parallax Art Fair» работ Я. Ризнык относит нас к творчеству немецких экспрессионистов, чьи работы явились выражением личной эмоциональной реакции на бурные события начала XX века, и художников-футуристов, которые пытались «отразить в своих картинах ускорение темпа жизни и индустриализацию среды как приметы новой эры». Яркие, порой кислотные, краски. Эмоциональная, даже «сумбурная» работа кистью. Актуальность поднятых тем. «Технологичный» и одновременно фантастический, «внеземельный» антураж, в котором разворачивается действие. Даже название цикла – «Внеземелье» (вспомним русских футуристов-будущников!) Все это роднит работы художницы с новаторскими течениями начала XX века, и как бы делает их продолжателями этих направлений, развивая и актуализируя на новом витке спирали.
В плане тематики, как и подобает актуальному искусству, здесь больше вопросов, чем ответов. Зачем нам это нужно? Зачем осваивать космос и другие планеты? Что мы собираемся там делать? Не окажется ли так, что, сделав Землю непригодной для жизни, мы также поступим и с другими планетами? Как не перенести ошибки и негативный опыт «земельной» жизни во «внеземелье»? Как нам жить бок о бок с искусственным интеллектом? Роботы – это помощники или потенциальные враги? Когда нужно остановиться в развитии робототехники, где точка невозврата? Смогут ли земляне сохранить статус-кво или рубикон уже пройден?
При всей своей актуальности, яркие, эмоциональные работы Яны Ризнык очень живописны и позитивны по восприятию. Градус проблемности снижается иронией и юмором, с которым созданы сюжеты. Есть ощущение приобщенности их к любимым литературным и киносюжетам. А может быть действительно, просто снимается кино?
